Радищевский музей. Собрание западноевропейских мастеров

В коллекции А. П. Боголюбова было очень немного произведений старых европейских мастеров. В запасных фондах Эрмитажа после получения "высочайшего" разрешения были отобраны произведения, вскоре занявшие свои места в залах Радищевского музея.

И сейчас музейная коллекция западноевропейского искусства - одна из интересных в стране. Она не претендует на полноту охвата школ, направлений, имен, но есть в ней полотна многих известных европейских мастеров: Д.Вазари и М.Стомери, Ф.Депорта и Ф.Буше, К. Коро, пейзажистов-барбизонцев. Есть подчас уникальные произведения, которые могли бы стать гордостью любого значительного художественного собрания.

Несмотря на видимую неполноту зарубежного отдела, в нем работами различных мастеров представлены почти все основные художественные школы Западной Европы: Италии и Голландии, Германии и Франции, - начиная с XV века по XIX.

Самые ранние работы коллекции относятся к XIII-XV векам. Это прежде всего скульптура "Мадонна с младенцем Христом и святая Анна". Выполненная в конце XIII столетия, она отражает эстетические и нравственно-этические представления художника средневековья. Скульптура поступила в 1897 году по завещанию А.П.Боголюбова.

По-средневековому условны "Святое семейство", происхождение которого принято связывать с Италией, и пятистворчатый складень XV века из Ульма, обнаруживающий близость традициям готики.

Мастером-итальянцем в XV веке исполнено тондо (композиция в круге) "Мадонна с ангелами". Тондо было передано музею в дар известным коллекционером, знатоком старого, особенно византийского, искусства А.В.Звенигородским, считавшим эту картину работой ренессансного художника. Сейчас это бесспорно, и принадлежность тондо искусству итальянского Возрождения не вызывает сомнений.

Любимая тема искусства Возрождения - мадонна с младенцем - обретает здесь подлинно поэтическое звучание, хотя и с некоторым сурово-скорбным оттенком, рождающимся как предощущение трагической судьбы божественного младенца. Строгая, уравновешенная композиция, в которой торжествует линия, плавный кругообразный ритм движения, дающий единство изображению, сильные, глубокие созвучия темно-красного, коричневого, серо-зеленого цветов, а главное - человечность образов раскрывают основополагающие черты живописи итальянского Кватроченто, Раннего Возрождения.

Сюжеты картин по преимуществу были религиозными. Но в образах, созданных искусством Ренессанса, живут реальные люди, с их мыслями и чувствами, радостями и тревогами, неповторимым внешним обликом, далеким от средневекового аскетического идеала. Да и сама жизнь, природа, человек казались ренессансным художникам значительными и достойными внимания, когда преломлялись сквозь призму мифологии в образах, освященных традицией. Вместе с тем, изображая вполне конкретных людей, мастера Возрождения во всем искали совершенства. И в образе мадонны или ангелов выражали свое представление об идеальной красоте. Столь же совершенна, гармонична изображаемая ими природа, которая живет своей особенной величаво-торжественной жизнью.

Мастеру ,,Мадонны с младенцем", как и его прославленным современникам, присуща редкая способность понимать красоту и величие мира, видеть возвышенное и значительное в простом, божественное в человеческом. Миловидные лица, чуть тронутые улыбкой, задумчивы и нежны. Красивые ясные силуэты фигур, кажется, самим своим ритмом выражают гармонию и совершенство. В статике жестов и поз - спокойное изящество, естественная грация. Образы Марии, ангелов, младенца Христа, воплощая черты нравственно-эстетического идеала, вместе с тем вполне реальны, овеяны настроением тихой печали. С общим эмоциональным тоном картины согласуется и элегическая окрашенность пейзажа.

Художникам следующей эпохи - маньеризма и барокко - мир видится уже не гармонией, а средоточием противоборствующих сил. Движение привлекает всех, и теоретиков и художников. Теоретиков занимает вопрос о причинах, силах, энергии, лежащей в основе движения, в конце концов - о темпе живописи, выражающем динамику жизни. Динамичной, подчас напряженной становится сама живопись, пронизанная ощущением сложности, противоречивости общей картины мира.

Возвышенно-романтическим чувством пронизаны пейзажи Сальватора Розы, одного из самых известных и одновременно самых загадочных художников XVII века. Роза принадлежал к тому поколению итальянских живописцев, в искусстве которых происходило становление пейзажа как самостоятельного жанра. Человек авантюрного склада, непростой драматической судьбы, породившей множество легенд, пейзажист и баталист, Сальватор Роза и в созданных им образах акцентирует суровую мощь окружающего мира, понимаемого, в сущности, как враждебная человеку стихия. Свойственное художнику глубокое чувство природы обусловило особый динамический строй его пейзажей.

Сальватору Розе приписывается принадлежащий музею "Пейзаж с Иоанном Крестителем". Контрасты света и тени вносят тревожные интонации в повествование. Уточняющее название картины отсылает к религиозному мифу. Но создается впечатление, что религиозная мотивировка - проповедь Иоанна Крестителя - утратила здесь свою значимость: фигуры людей, внимающих страстному проповеднику, стаффажны, они целиком подчиняются суровому, величественному, напряженно звучащему пейзажу.

XVII век представляют полотна испанских мастеров, фламандских живописцев К. Гюисманса, К. Вербрюггена, Я. Фейта. Искусству Фландрии XVII века присуще ярко выраженное своеобразие. Оно опиралось на художественные традиции предшествующей поры (или старонидерландские), имело свой излюбленный круг тем, сюжетов и, что, может быть, более существенно, от искусства других европейских стран отличалось необыкновенно оптимистическим мироощущением, каким-то особым жизнелюбием.

Традицию старонидерландского искусства унаследовал Л.де Колери, работавший на рубеже XVI и XVII веков. Его произведения редки в собраниях нашей страны. Тем интереснее "Прогулка по набережной", светски-аристократическая по сюжету. Она привлекает внимание сразу. Но нужно внимательно вглядеться, увидеть многочисленные фигурки, пышное убранство набережной, тонко и сложно написанные дали, небо, корабли на глади канала, чтобы почувствовать неповторимое очарование этой картины, ее своеобразие.

Иллюзорная и миниатюрная тщательность письма в ней не спорит с условной декоративностью общего решения, а нарядная цветистость колорита, сочетающего множество оттенков, хорошо согласуется с точной, скорее даже наивно-подробной передачей разряженных и грациозных фигурок кавалеров и дам, прихотливых архитектурных форм и пейзажа. В картине Колери есть ощущение реальности происходящего. Вместе с тем утонченная красота и словно бы "невсамделишность" приятного сновидения окрашивают ее очарованием грезы, заставляя вспомнить не только старонидерландскую живопись, но и пестрый образный мир искусства французской миниатюры.

Бытовой жанр, не слишком популярный во Фландрии, испытал заметное воздействие и старонидерладской традиции, и голландской школы. "Сельский праздник"- типичная работа самого значительного фламандского жанриста Давида Тенирса Младшего. Она написана им в 1640-е годы, когда Тенирс был преуспевающим мастером, придворным художником, уверенно владевшим своим ремеслом. В его творчестве, в выборе сюжетов сказались вкусы фламандской верхушки.

Изображая беззаботно пляшущих возле дверей деревенского кабачка крестьян, передавая краски пейзажа, Тенирс остается в меру объективным и серьезным. Этот искусный и высокопрофессиональный художник обычно склонен к занимательности без легковесности, грубовато-простодушной шутке без шаржирования, неназойливой идеализации, никогда, однако, не переходящей в слащавую красивость.

"Сельский праздник" Тенирса очень красив по цвету: гамма сближенных и словно бы "притушенных" серовато-зеленых тонов приобретает легкий золотистый оттенок, яркие пятна крестьянских одежд и крошечные белильные мазочки вносят нарядность в колорит и придают своеобразие живописной фактуре произведения.

Несравненно более широкое распространение и последовательное развитие бытовой жанр получил в соседней Голландии. В стране победившей буржуазной революции создались благоприятные условия для развития живописи с ее реалистическими устремлениями, разнообразием жанров, преимущественным интересом к жизни страны, ее людям, ее природе.

Тематический диапазон голландской живописи XVII века широк и разнообразен - эта часть зарубежной коллекции отличается наибольшей полнотой. Для многочисленной группы художников, так называемых "малых голландцев", главным стала верность натуре, правдивое изображение окружающей жизни. Пристальное, внимательно-бережное отношение ко всему сущему вызвало появление жанровых картин П. ван Ноорта, Я. Дюка, пейзажей Я.Куленбира (?) и К.Дюжардена, произведений Ф.Воувермана, А.Виллартса, М. Стомера. Картины "малых голландцев" знакомят с привычным укладом жизни страны, с буднями и праздниками ее трудолюбивого народа.

"Игра в карты" Я. Дюка воссоздает обычную сценку из жизни военных. Питер ван Ноорт изображает женщину за шитьем и нехитрую обстановку скромного интерьера. Крохотная, но необыкновенно тонкая по живописи работа показывает превосходное до мелочей знание быта и досуга простых людей. К тому же "За шитьем" - единственное произведение П. ван Ноорта в собраниях нашей страны. Столь же уникальна и работа А. Вербюйса "Дама с письмом", которой присуща характерная для кабинетной живописи голландцев тщательность исполнения. Вместе с тем в работе заметен оттенок манерности.

Есть в музее и голландские портреты. Сдержанные и немногословные, они проникнуты духом бюргерского демократизма. Эти портреты ставят весьма скромную цель - передачу сходства и тщательное воспроизведение костюма, но они всегда убеждают в том, что человек был именно таким, каков он на портрете.

Среди голландских пейзажей в коллекции преобладают произведения мастеров так называемой "итальянизирующей" линии, склонных к идеализации природы. Но именно в Голландии XVII века впервые в Европе возник и национальный реалистический пейзаж. Образ сельской Голландии в работе неизвестного автора, возможно Я. Куленбира, изобразившего хижину на пригорке, пастуха со стадом овец, светлое облачное небо, дышит мирным уютом и теплотой. Это - картина деревенской жизни на лоне природы, увиденной и почувствованной в ее естественной красоте и величии.

Реалистические устремления, определившие смысл и значение голландского искусства XVII века, проявились и в произведениях, сюжетно, казалось бы, далеких от повседневности, связанных с христианской мифологией.

"Поклонение младенцу" - картина, написанная на евангельский сюжет, - принадлежит кисти известного утрехтского живописца Матиаса Стомера. Как и многие другие художники Утрехта, Стомер испытал сильное воздействие итальянца М.Караваджо. Реализм творчества Караваджо был вообще близок голландцам, так как отвечал реалистическим установкам их искусства.

Широкая динамичная живопись "Поклонения" усиливает контрасты света и тени, способствует "осязаемой" передаче предметных форм. Фигуры Марии с младенцем и пришедших поклониться новорожденному пастухов светом выхвачены из полумрака, словно приближены к зрителю. Внешне картина очень напоминает аналогичные работы итальянских, да и голландских караваджистов. Но этим сходство не исчерпывается. Оно - и в характере истолкования традиционного евангельского сюжета, показанного наподобие простой будничной сценки, хотя и исполненной глубокого драматизма, но вполне реальной.

Не мифические пастухи, а охваченные благоговейным трепетом голландские крестьяне в грубых одеждах, с лицами, потемневшими от жизненных тягот, с натруженными тяжелыми руками, предстоят божественному младенцу, олицетворяя собой по-настоящему жизненное начало, "снимающее" отвлеченность евангельской легенды.

Жизненность ситуаций (даже в мифологических сценах), простодушная искренность чувств, красота тщательной, но не дробной живописи - несомненные достоинства, привлекающие в произведениях "малых голландцев". В их картинах проявилось многообразие реальности, наиболее полно и всесторонне отразилось жизнеощущение голландцев, запечатлелась общая картина мира - и новизна ее узнавания с течением времени не потускнела.

Работы мастеров трех столетий - XVII, XVIII, XIX - составляют раздел искусства Франции. Наряду с именами известных живописцев - Ф. Депорта или Л.Мейсонье, К. Коро или Ш. Добиньи - здесь можно встретить художников малоизвестных и сравнительно редких в собраниях Советского Союза, таких, как Ж.Монье или М.де Буйон.

Влиянием фламандского натюрморта, пышного и декоративного, с непременным элементом игры, занимательности, часто сюжетной завязкой, объясняется появление во Франции XVII века работы, подобной "Овощной лавке" Мишеля де Буйона. В натюрморте Буйона восхищение силой земного плодородия адекватно выражено в декоративной пышности и "зрелищности", которая здесь кажется чуть тяжеловесной.

Большое живописное мастерство отличает натюрморт Ф. Депорта "Плоды", глубокий и насыщенный по цвету. Этот мастер, много работавший с натуры, не только "портретирует" ее, но передает живое своеобразие окружающего человека предметного мира, подчеркивая его материальную чувственную природу. В "Плодах" ощутима нежность фруктов, прозрачность спелого винограда, матовые переливы тяжелого темно-красного бархата. Тонкий вкус и чувство меры сказываются в расчетливом отборе предметов, продуманности не перегруженной деталями композиции. Работа Депорта позволяет говорить об особенностях уже собственно французской школы натюрморта, о высоком уровне мастерства.

В первой трети XVIII века самым ярким выразителем идеалов утвердившегося во Франции стиля рококо был Франсуа Буше, "первый художник короля" Людовика XV. Это подтверждает и выполненный им эскиз росписи плафона "Венера и Вулкан". Как обычно, сюжетом плафонной росписи Буше избирает мифологический мотив: бог огня и покровитель кузнечного дела Вулкан вручает богине любви меч для ее сына. Галантной трактовкой сюжета, жеманной грацией жестов и поз, прихотливостью драпировок, ритмической и цветовой изысканностью эскиз Буше раскрывает очарование легкого и грациозного, жизнерадостного и, в сущности, камерного искусства рококо.

Количественно небольшое, но обладающее уникальной художественной ценностью собрание национального пейзажа венчает коллекцию французской живописи.

Основатель Радищевского музея А. П. Боголюбов, с середины 1860-х годов подолгу живший во Франции, в своем собирательстве уделял большое внимание французскому искусству, особенно национальному реалистическому пейзажу.

Еще при создании музея он передал сюда свыше 20 произведений французских художников, своих современников. Со многими из них Боголюбов был дружен. Естественно, что в числе его парижских друзей были пейзажисты-барбизонцы Тройон, Добиньи, Жак, Изабе.

"Судьба привела меня, - писал А. П. Боголюбов, - жить в такой чудной плеяде художников, каковой оказалась теперь знаменитая школа 1830 года, как называют ее французы . . .

Коро, Руссо, Тройон, Добиньи - суть родоначальники французской пейзажной живописи, и в редком мастере, их последователе, не заметите их благотворного влияния". Это воздействие оказалось существенным и для самого Боголюбова.

Именно работы мастеров барбизонской школы стали основой его коллекции.

В "Записках" он вспоминал: "Меня очень полюбил художник Добиньи, хвалил мои работы и даже поменялся своим этюдом, на котором написал: "offert a Bogoluboff". Этот этюд теперь стоит верных 15-20 тысяч франков и составляет украшение моего Радищевского музея. Изабе сделал то же, что меня немало обрадовало и приобщило коллекционировать картины . . . еще не помышляя о том, что все это отдам родному городу".

В пейзажах художников-барбизонцев, в картинах К. Коро, А. Монтичелли, в этюдах Э. Сисери, Э. Изабе, Г. Гоггемана изображение родной природы окрашивается неповторимо личностной интонацией.

"Замок Пьерфон" К. Коро изображает один из знаменитейших французских средневековых замков. Пейзаж написан в ту пору, когда это сооружение было только что отреставрировано архитектором Виолле ле Дюком. Но Коро привлекает не столько памятник архитектуры средневековья, сколько задача воссоздания спокойно-умиротворенного, богатого оттенками состояния природы. И в этом повествовании о природе старинный замок - необходимая деталь, своего рода эмоциональный акцент, без которого пейзаж потерял бы заметпроживший в нищете и безвестности, вынужденный продавать свои произведения за бесценок. С признанием импрессионистов заслуженная известность пришла и к Монтичелли, одному из ближайших предшественников этого художественного течения.

О близости Монтичелли импрессионистам говорит и его пейзаж "Окрестности Парижа", сочетающий прихотливую декоративность с точной передачей непосредственного, сиюминутного впечатления, мгновения, полного жизни. Мотив солнечного осеннего дня раскрывается в радостной игре света, переданного тончайшими оттенками коричнево-охристых и серовато-серебристых тонов.

Пейзаж Монтичелли был подарен музею А. П. Боголюбовым. Произведения зарубежных художников более позднего времени Боголюбов уже не собирал. И в наши дни работы французских мастеров 1860-1870-х годов практически завершают коллекцию западноевропейской живописи.

Графический раздел отличается большей цельностью и полнотой. Тысячи листов графики, как оригинальной, так и тиражной (гравюры), хранятся в фондах музея. О значительности и ценности собрания можно судить хотя бы по некоторым из представляющих его имен: Дюрер и Рембрандт, Джованни Доменико Тьеполо и К. Гис, Ш. Добиньи и К. Коро. Здесь же работы мастеров Англии, Голландии, Фландрии, Чехии.

Немногочисленная в музейных залах скульптура выполнена крупнейшими европейскими художниками: А.Гудоном, К.Менье, О.Роденом. Их работы поступили в музей в 1960-е годы и сразу же вошли в постоянную экспозицию западноевропейского отдела. Не так давно он пополнился бронзовым барельефом "Шахтер" работы выдающегося бельгийского скульптора К. Менье. "Шахтер" был единственным произведением зарубежного мастера в коллекции М.Ф.Глазунова, в середине 1970-х годов почти полностью поступившей в Радищевский музей.

Отдел зарубежного искусства продолжает расти и сейчас, хотя в отличие от других не столь интенсивно. Традиционными стали выставки новых поступлений. Музей регулярно знакомит посетителей со своими богатейшими фондами.

Г. М. Кормакулина, 1985

Радищевский музей...